Acolo unde există modă, există și artă. Uneori, au fost unite și folosite de-a lungul deceniilor pentru a depăși granițele și a influența cultura diferitelor epoci. Conexiunile dintre artă și modă definesc momente specifice din istorie. Ambele mijloace reflectă schimbările sociale, economice și politice, de la anii douăzeci în urzeală la flamboyance-ul anilor optzeci. Iată patru exemple de artiști și designeri de modă care au contribuit la modelarea societății prin munca lor.
1. Halston și Warhol: o bursă de modă
Patru portrete din Halston, Andy Warhol, 1975, colecție privată
Prietenia dintre Roy Halston și Andy Warhol este una care a definit lumea artistică. Atât Halston, cât și Warhol au fost lideri care au pregătit calea pentru a face din artist / designer o celebritate. Au eliminat stigmatul pretențios al lumii artei și au adus moda și stilul maselor. Warhol a folosit serigrafia pentru a produce imagini de mai multe ori. Deși cu siguranță nu a inventat procesul, a revoluționat ideea producției în serie. Halston a folosit țesături și modele simple și elegante, dar pline de farmec prin utilizarea sa de paiete, piele întoarsă ecologică și mătase. El a fost unul dintre primii care a făcut accesibil și dorit moda americană. Ambele au pus o ștampilă definitivă asupra artei și stilului până în anii 1960, 70 și 80, care durează și astăzi.
Flori de Andy Warhol, 1970, prin Muzeul de Artă al Universității Princeton (stânga); cu Liza de Andy Warhol, 1978, prin Christie’s (centru); și Flori de Andy Warhol, 1970, prin Muzeul de Artă Tacoma (dreapta)
Atât Halston, cât și Warhol au colaborat împreună la multe proiecte diferite. Warhol va crea campanii publicitare care să includă îmbrăcămintea lui Halston și chiar pe Halston însuși. Într-o colaborare mai directă, Halston a folosit imprimeul de flori al lui Warhol pe unele dintre hainele sale, de la o rochie de seară la un set de îmbrăcăminte de lounge. Halston ar folosi modele simple în hainele sale, ceea ce le-a făcut un mare succes. Erau simpliste și ușor de purtat, totuși se simțeau încă luxoase cu utilizarea sa de țesături, culori sau imprimeuri. De asemenea, Warhol și-ar simplifica materialele și procesul, ceea ce a făcut mai ușoară reproducerea operelor sale și le-a făcut mai comerciale.
2. Sonia Delaunay: Unde arta devine modă
Sonia Delaunay cu doi prieteni în studioul lui Robert Delaunay, 1924, prin Bibliothèque Nationale de France, Paris
Sonia Delaunay nu numai că a revoluționat o nouă formă de cubism, dar și a imaginat legăturile dintre artă și modă. Atât Delaunay, cât și soțul ei au fost pionierii orfismului și au experimentat diferite forme de abstractizare în artă. Ea a fost prima de acest gen care și-a folosit propriul stil artistic și a făcut tranziția în lumea modei, folosind desenele, amprentele sau modelele sale textile originale. Este mai mult amintită pentru arta și legătura cu soțul ei decât pentru moda ei. Veșmintele ei au fost în fruntea schimbării în îmbrăcămintea pentru femei în anii 1920. Catalogul ei de îmbrăcăminte este amintit mai mult în fotografii și referințe la arta ei, mai degrabă decât îmbrăcămintea fizică. Pentru Delaunay, nu există nicio linie trasată între artă și modă. Pentru ea, ei sunt una și aceeași.
Delaunay și-a început afacerea în modă în anii 1920, creând haine pentru clienți și realizând designuri de țesături pentru producători. Ea și-a numit eticheta Simultane și și-a avansat în continuare utilizarea culorii și a modelelor pe o varietate de medii diferite. Simultaneismul a jucat un rol important în procesul ei de proiectare. Utilizarea ei de către tehnică este foarte asemănătoare cu o plapumă patchwork sau textile din Europa de Est. Culorile se suprapun reciproc, iar modelele sunt folosite pentru a crea armonie și ritm. Temele obișnuite ale sale includ pătrate/dreptunghiuri, triunghiuri și linii diagonale sau sfere – toate acestea se suprapun reciproc în diferitele sale modele.
Delaunay a fost o femeie tânără în perioada edwardiană, unde corsetele și conformitatea erau normele. Acest lucru s-a schimbat în anii 1920, când femeile purtau fuste deasupra genunchiului și articole de îmbrăcăminte largi, potrivite la cutie. Acest aspect este ceva ce poate fi văzut în desenele lui Delaunay și era pasionată de crearea articolelor de îmbrăcăminte care să corespundă nevoilor femeilor. Ea a conceput costume de baie care permiteau femeilor să participe mai bine la sporturi care anterior inhibau modul în care le jucau. Ea și-a așezat textilele pe paltoane, pantofi, pălării și chiar pe mașini făcându-i pe fiecare suprafață pânza. Proiectele ei au creat libertatea de mișcare și de exprimare prin culoare și formă.
3. Colaborările lui Elsa Schiaparelli și Salvador Dalí
Pantof în formă de pălărie Schiaparelli de Elsa Schiaparelli și Salvador Dalí, 1937-38, prin Vogue Australia
Avangarda artei suprarealiste este asortată cu liderul modei suprarealiste. Salvador Dalí și designerul de modă Elsa Schiaparelli s-au colaborat și s-au inspirat reciproc pe parcursul carierei lor respective. Au creat imagini iconice, cum ar fi Rochia cu homar, Pălăria pantofului (soția lui Dalí, Gala văzută mai sus) și Rochia cu lacrimă, care a șocat și a inspirat publicul atât în artă, cât și în modă. Dalí și Schiaparelli au pregătit calea pentru viitoarele colaborări dintre creatorii de modă și artiști, în timp ce aceștia au acoperit decalajul dintre ceea ce este considerat artă purtabilă și modă.
În timp ce un homar este aparent inofensiv, este de fapt plin de controverse. Dalí a folosit homarii ca temă recurentă în lucrarea sa și a fost interesat de anatomia homarului. Coaja acționează ca un schelet la exterior și are un interior moale în interior, inversul oamenilor. Homarul din opera lui Dalí are și tonuri sexuale, care provin din dinamica femeie-bărbat.
Rochia cu homar este o colaborare între cei doi artiști, Dalí schițând homarul pentru a fi folosit pe rochie. A stârnit multe controverse când a debutat pentru prima dată în Vogue. În primul rând, are un corset și o fustă pură din organza albă. Această strălucire, care arăta imaginea abia vizibilă a corpului modelului, era ceva complet nou la modă văzut la scară de masă. Utilizarea țesăturii albe contrastează și cu roșul homarului. Albul poate fi considerat puritate virginală sau semnificativă în comparație cu roșu, ceea ce poate însemna sexualitate, putere sau pericol. Homarul este așezat convenabil pe fustă pentru a acoperi zona pelviană a unei femei. Această plasare este similară cu fotografia lui Dalí de mai sus, care semnifică în continuare sexualitatea femeilor față de reacția bărbaților la aceasta.
Modelul care purta haina în Vogue a fost Wallis Simpson, soția lui Edward al VIII-lea, care a abdicat de la tronul englez pentru a se căsători cu ea. Acesta este încă un alt exemplu de a lua o figură sau o imagine controversată în cultură și a o transforma în ceva de venerat.
4. Yves Saint Laurent: Unde se confruntă arta și inspirația
Rochie inspirată de Picasso de Yves Saint Laurent de Pierre Guillaud, 1988, prin Times LIVE (stânga); cu Păsările de Georges Braque, 1953, în Musée du Louvre, Paris (dreapta)
Unde este linia dintre imitație și apreciere? Criticii, spectatorii, artiștii și designerii s-au străduit să stabilească unde este trasată acea linie. Cu toate acestea, când a discutat despre Yves Saint Laurent, intențiile sale nu au fost altceva decât lingușire și admirație pentru artiștii și picturile pe care le-a folosit ca inspirație. Privind portofoliul său extins, Saint Laurent a fost inspirat de culturi și artă din întreaga lume și a încorporat acest lucru în hainele sale.
Deși Yves Saint Laurent nu a întâlnit niciodată artiștii care l-au inspirat, acest lucru nu l-a împiedicat să creeze lucrări ca un omagiu pentru ei. Laurent s-a inspirat de la artiști precum Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque și Picasso. A fost colecționar de artă și a avut picturi cu Picasso și Matisse în propria casă. Luarea imaginii unui alt artist ca inspirație poate fi uneori văzută ca una controversată. Cu toate acestea, Saint Laurent ar folosi teme similare cu acești artiști și le va încorpora în veșminte purtabile. A luat un motiv bidimensional și l-a transformat într-o haină tridimensională care aduce un omagiu unora dintre artiștii săi preferați.
Pop Art și Revoluția anilor 60
Anii 1960 au fost o perioadă de revoluție și comercialism și au fost o nouă eră pentru modă și artă. Proiectele lui Saint Laurent au avut succes comercial când a început să se inspire din arta pop și abstractizare. A creat 26 de rochii în 1965 inspirate din picturile abstracte ale lui Piet Mondrian. Rochiile întruchipau utilizarea Mondrian de forme simpliste și culori primare îndrăznețe. Saint Laurent a folosit o tehnică în care nu sunt vizibile cusături între straturile de țesătură, făcându-l să pară ca și cum veșmântul ar fi o singură bucată întreagă. Saint Laurent a preluat arta lui Mondrian din anii 1920 și a făcut-o purtabilă și relatabilă cu anii 1960.
Rochiile în stil mod sunt exemple clasice ale stilului anilor 1960, în care practicitatea devenea o problemă mai mare pentru femei. Erau asemănătoare hainelor din anii 1920, care erau mai puțin constrânse și aveau mâneci și tivuri care arătau mai multă piele. Siluetele cutii ale lui Saint Laurent permiteau ușurința și mișcarea femeilor. Acest lucru a dus, de asemenea, la inspirația sa de la artiști de artă pop, cum ar fi Tom Wesselmann și Andy Warhol. El a creat o linie de modele inspirate de arta pop, care prezentau siluete și decupaje pe hainele sale. A fost vorba despre încălcarea constrângerilor cu privire la ceea ce era abstractizarea în artă și comercializarea designului. Laurent a legat aceste două idei împreună pentru a crea articole de îmbrăcăminte pentru femei care eliberează și atrag femeia modernă.
