Istorie

Artă și modă: rochii celebre în pictură care influențează stilul femeilor

Klimt „Femeia de aur” Sursa: wikipedia.org

Pentru aceste femei, totul, de la bogăția, caracterul lor și atitudinile politice / societale, au devenit indicative pentru cine s-au bazat pe aceste picturi. Indiferent că au știut sau nu, au influențat tendințele modei, au criticat indignarea și au folosit moda pentru a se prezenta lumii din jurul lor. Mai jos sunt nouă picturi cu rochii celebre, care variază de la Renaștere până la epoca modernă.

Picturi renascentiste cu rochii celebre

Renașterea a fost o perioadă de revigorare culturală și artistică, clasicismul revenind revoluționar în societățile europene. Cu toate acestea, această perioadă a cunoscut și schimbări semnificative în modă. Aruncați o privire asupra modului în care rochiile celebre din picturi au influențat moda în timpul Renașterii.

Portretul Arnolfini (1434) de Jan Van Eyck

Artă și modă: rochii celebre în pictură care influențează stilul femeilor

Portretul Arnolfini de Jan Van Eyck, 1434, prin The National Gallery, Londra

Portretul de nuntă Arnolfini al lui Jan Van Eyck este un element esențial în studiul țesăturilor în portret. Tehnica lui Van Eyck nu lasă nimic imaginației, deoarece abordarea sa de a picta țesături creează o experiență realistă și tridimensională. Verdele de smarald în tonuri de bijuterie al veșmântului ei de lână și mânecile căptușite cu ermenie prezintă statutul familiilor, întrucât numai clienții bogați își permiteau țesăturile din imaginea de mai sus.

Lâna, mătasea, catifeaua și blana erau rare și mai scumpe de produs, în comparație cu bumbacul sau inul și erau un simbol al statutului cât de mult își permitea să cumpere. De asemenea, arată bogăția soțului ei, deoarece arată că și-ar permite să cumpere multe metri de țesătură pentru a-și crea rochia. Una dintre cele mai dezbătute întrebări legate de pictură este dacă femeia din imagine (probabil soția lui Arnolfini) este sau nu însărcinată. Fustele renascentiste erau atât de pline și grele încât femeile își ridicau fustele în sus, astfel încât să fie mai ușor să vă mișcați.

Faldurile voluptuoase adăugate ale rochiei sale dezvăluie, de asemenea, o tendință în descrierea femeilor cu secțiuni medii mai curbe, deoarece a arătat speranța de a concepe copii în timpul căsătoriei. Un alt exemplu în acest sens este Les Très Riches Heures du Duc de Berry, al fraților Limbourg. În ambele imagini, femelele sunt reprezentate cu burți rotunzi. Imaginea din stânga prezintă o nuntă și este comparabilă cu portretul Arnolfini, deoarece ambele femei proiectează imaginea maternității în așteptarea sarcinii. Fără a privi tabloul cu o lentilă modernă, se poate vedea acest lucru ca o înregistrare a ceea ce purtau femeile și a ceea ce era important pentru oameni să le dezvăluie altora.

Picturi baroce și rococo

Perioadele baroc și rococo pot fi caracterizate printr-o decorare elaborată, decadență și jucăuș. Aceste tendințe au fost văzute nu numai în artă, ci și în modă prin ornamentație complicată și rochii generoase. Uitați-vă la unele dintre celebrele rochii inspirate din lucrări de artă.

Elizabeth Clarke Freake (doamna John Freake) și Baby Mary (1674)

Atenția acestui artist necunoscut pentru detalii și concentrarea asupra îmbrăcămintei este ceea ce face ca acest tablou să fie un record important al vieții pentru puritanii din New England. În această imagine, Elizabeth este împodobită în țesături fine și accesorii ale Americii din anii 1600. Gulerul ei din dantelă albă indică popularul dantelă europeană întâlnită în rândul femeilor aristocratice. Vârful din rochie este o fustă de catifea brodată aurie, iar mânecile ei sunt decorate cu panglici. Este împodobită cu bijuterii din colierul de perle, inelul de aur și brățara granat. Această pictură oferă un aspect unic în viața puritană a Elisabetei și a familiei sale.

Artistul este capabil să amestece imagini ale bogăției lor într-un cadru modest. Pictura demonstrează în mod clar bogăția lui Elizabeth în timp ce alege să poarte cele mai bune haine și bijuterii. De asemenea, reflectă bogăția soțului ei, John Freake, pentru a-și putea permite aceste luxuri și pentru a comanda acest portret, precum și unul dintre ale sale. Pictura ar însemna, de asemenea, atitudinea lor puritană de recunoștință față de Dumnezeu, deoarece fără binecuvântarea Sa nu ar putea avea aceste luxuri.

Swing (1767) de Jean-Honore Fragonard

Artă și modă rochii celebre în pictură care influențează stilul femeilor

Swing de Jean-Honore Fragonard, 1767, prin The Wallace Collection, Londra

Swing-ul lui Jean-Honore Fragonard este un exemplu al stilului rococo din cercurile aristocratice franceze. Pictura a fost o comisie privată în care un curten francez i-a cerut lui Fragonard să creeze acest tablou al său și al amantei sale. În timp ce pictura a fost plasată în spatele ușilor închise, aceasta dezvăluie luxul, frivolitatea și natura clandestină a curții regale franceze.

Rochia roz pastel se remarcă printre grădina luxuriantă și este punctul central al piesei. Fragonard pictează rochia cu apăsări libere, care imită fustele măturoase și corsetul zburlit al rochiei. Periile sale libere coincid cu subiectul său din această scenă de grădină idilică, plină de imagini cochete și capricioase. Cu toate constrângerile de corsete, forfote și incinte de îmbrăcăminte pentru femei, singurul loc care nu avea niciunul era tivul inferior al unei fuste pentru femei. Fragonard a folosit acest lucru în avantajul său, în timp ce el o înfățișa pe femeia care se ridica în locul perfect, astfel încât iubitul ei să își poată căuta fusta. Comisia privată ia permis lui Fragonard să experimenteze subiectul său și le-a permis spectatorilor să descopere cum ar fi fost viața celor mai bogați oameni de la curte.

Pictura sa prezintă, de asemenea, tendințele stabilite în curtea franceză pentru modă. Rococo a transcendat moda, arta și arhitectura pentru a crea ceva care este unic francez. Moda rococo a inclus cele mai luxoase țesături, inclusiv mătăsuri de culoare pastel, catifele, dantele și modele florale. De asemenea, a inclus o cantitate excesivă de arcuri, bijuterii, volane și ornamente decorative pentru a crea un aspect care să întoarcă capul la curte. Stilul a definit diferența dintre săraci și bogați, întrucât aristocrația își putea permite luxul de țesături fine și podoabe. Pentru femeile care poartă astfel de ornamente rococo, pictura este simbolul curții regale franceze de dinaintea revoluției.

Rochii celebre în picturile din secolul al XIX-lea

Secolul al XIX-lea a cunoscut o trecere artistică de la neoclasism la modernism timpuriu, dând loc stilurilor și școlilor de gândire. Acest secol a cunoscut și schimbări ale modei; citiți mai departe pentru a vedea cum picturile au influențat introducerea unor rochii și stiluri celebre, care au fost în mod deosebit mai moderne decât înainte.

Symphony in White No.1: The White Girl (1862) de James McNeill Whistler

Artă și modă rochii celebre în pictură care influențează stilul femeilor

Symphony in White No.1: The White Girl de James McNeill Whistler, 1862, prin Galeria Națională de Artă, Washington D.C.

„Arta de dragul artei” a devenit legată de Symphony in White No.1: The White Girl, așa cum James McNeill Whistler intenționa ca pictura să aibă un sens spiritual. Criticii, însă, nu l-au văzut așa, deoarece femeia portretizată este Joanna Hiffernan (amanta sa la acea vreme). Mai important, haina pe care Whistler a ales-o să-l picteze pe Hiffernan a sigilat afacerea și a făcut ca această rochie să iasă în evidență printre celelalte picturi ale sale. Acest portret era scandalos la vremea respectivă, din cauza portretizării de către Whistler a rochiei albe pure a femeilor. În anii 1800, ținuta unei femei a inclus deseori o fustă de crinolină din oțel pentru a-și menține fustele pe linia de plutire. De asemenea, femeile purtau corsete printre numeroase alte lenjerie de corp pentru a putea crea fuste mai largi.

Femeia în alb este exact opusul acelui standard de îmbrăcăminte respectabilă în acel moment. Halatul ei de ceai este o îmbrăcăminte pe care numai soțului ei (sau iubitului) i s-ar permite să o vadă, deoarece ar putea fi ușor îndepărtată. Era o rochie de zi purtată în privat și nu avea să devină mai populară până la începutul anilor 1900 pentru îmbrăcămintea de zi cu zi. Pentru Whistler, muza sa trebuia să facă parte dintr-o scenă generală plăcută pentru ochi. El a înfățișat-o pe Hiffernan în timp ce o vedea, iar pentru spectatori în acel moment pictura era atât confuză, cât și cam indecentă.

Portretul Madamei X (1883) de John Singer Sargent

Artă și modă rochii celebre în pictură care influențează stilul femeilor

Portretul doamnei X de John Singer Sargent, 1883-84, prin Metropolitan Museum of Art, New York

Oricine stă în fața Madamei X este surprins de statura și strălucirea portretului ei. John Singer Sargent a creat o imagine a unei femei care, deși a fost inacceptabilă pentru timpul său, a devenit una dintre cele mai recunoscute și venerate picturi ale sale. Este un portret al doamnei Pierre Gautreau, o frumusețe americană amestecată în înalta societate franceză. A creat un astfel de scandal încât John Singer Sargent însuși a trebuit să părăsească Parisul spre Londra.

În timp ce rochii similare cu ale ei ar fi fost purtate ca costume sau pentru petreceri, ele nu erau uzate în societatea cotidiană. Există anumite detalii care fac această rochie atât de scandaloasă. Corsetul ei este extrem de îndreptat spre jumătatea inferioară a abdomenului. Decolteul ascuțit în V și curelele cu mărgele abia îi acoperă umerii și dezvăluie ceea ce erau considerate părți intime ale unei femei, deci nepotrivite de prezentat în public.

După ce Sargent a prezentat pictura la Salonul de la Paris din 1884, a provocat furie în rândul criticilor și al spectatorilor. A stârnit controverse pentru ca o femeie căsătorită din clasa ei să fie văzută public într-un mod atât de provocator. Pentru spectatorii de la Salon, părea că purta lenjerie de corp mai degrabă decât o rochie reală. Pictura a fost dăunătoare pentru Mme. Reputația lui Gautreau ca oameni a văzut portretul ei ca pe o reflectare a unei personalități salace.

La început nu trebuia să fie o traducere literală a lui Mme. Personajul lui Gautreau. Sargent însuși a ales rochia și postura ei, iar recuzita seamănă cu vechile statui romane care fac aluzie la Diana, zeița vânătorii și a lunii. Această creație le-ar afecta ambele reputații. Sargent și-a scos în cele din urmă numele din portret, redenumindu-l Madame X.

Rochii celebre în picturile secolului XX

Arta din secolul al XX-lea s-a axat pe abstractizare și expresie, suferind schimbări semnificative cu noi stiluri și teme. Acest lucru a adus, de asemenea, explorarea de noi forme și sinteze de modă și artă. Iată rochii celebre văzute în picturi în secolul inovator.

Portretul lui Adele Bloch-Bauer I (1907) De Gustave Klimt

Rochia aurie a lui Adele Bloch-Bauer arată portretizarea lui Gustav Klimt a unei femei neîngrădite de lumea din jur. În comparație cu alte portrete ale doamnelor de înaltă societate din vremea ei, acest portret se remarcă printre restul. În loc să picteze o femeie din clasa superioară, care se relaxează în grădini sau să citească pe canapele, Klimt o transformă pe Adele într-o figură de altă lume. Rochia ei este o figură învolburată plină de triunghiuri, ochi, dreptunghiuri și iconografie. Nu există semne de corsete drepte sau straturi pe straturi de îmbrăcăminte. În schimb, ea este exemplificată la fel de dezinhibată pe măsură ce plutește în lumea ei de aur. Art Nouveau conține teme despre natură și imagini mitice. Se referă, de asemenea, la moda boemă pe care Klimt a purtat-o ​​și a folosit-o în diferite alte picturi.

Klimt a pictat deseori modele create de designerul de modă Emilie Flöge. Nu este la fel de cunoscută ca contemporanii sau predecesorii ei din lumea modei, dar a făcut pași răsunători în crearea modei pentru femeile din vremea ei. Uneori a fost un efort de colaborare, deoarece Klimt și-a folosit rochiile celebre în multe alte picturi ale sale. Rochiile lui Flöge au siluete largi și mâneci largi, care nu includeau corsete sau alte articole de îmbrăcăminte restrictive. Lucrările atât ale lui Klimt, cât și ale lui Flöge au avansat un mod de viață boem cu limite neclare între tradițional și neconvențional așa cum se vede în portretul lui Adele Bloch-Bauer.

The Two Fridas (1939) De Frida Kahlo

The Two Fridas de Frida Kahlo, 1939, în Museo de Arte Moderno, Mexico City, prin Google Arts and Culture

Textilele colorate și țesute manual din Mexic sunt legate de moștenirea Fridei Kahlo. Ea a îmbrățișat aceste îmbrăcăminte ca parte a moștenirii sale și este văzută purtându-le în mai multe autoportrete și fotografii. Celebrele rochii prezentate în The Two Fridas ale lui Frida Kahlo simbolizează legăturile ei cu ambele părți ale moștenirii sale europene și mexicane.

Frida din stânga reflectă creșterea ei într-o familie de clasă medie-înaltă. Tatăl ei era originar din Germania, iar viața ei acasă din copilărie conținea obiceiuri occidentale. Dantela albă a rochiei sale simbolizează stilul popular în moda europeană. Această versiune occidentalizată este în contrast cu dorința dreaptă a Fridei de a-și îmbrățișa moștenirea mexicană purtând o rochie tradițională Tehuana. Această îmbrăcăminte este ceva care a fost încurajat de soțul ei Diego Rivera, în special în lupta lor pentru schimbare în țara lor. A arătat mândria ei de a purta haine indigene și tradiționale din Mexic.

Îmbrăcămintea lui Kahlo este un aspect important al vieții și muncii ei. După ce a contractat poliomielita în copilărie, unul dintre picioarele ei era mai scurt decât celălalt. Fustele ei colorate au devenit o cale pentru ea de a-și ascunde piciorul într-un mod care o proteja de control. Dulapul ei includea rochii Tehuana, bluze huipil, rebozos, căști cu flori și bijuterii antice. Aceste articole de îmbrăcăminte sunt importante de remarcat atunci când se uită la lucrările lui Kahlo, deoarece sunt o ilustrare a iubirii, durerii și suferințelor sale pe care le încorporează în munca ei.