Istorie

Barbara Hepworth și teoria legată de importanța atingerii artei

Barbara Hepworth și teoria legată de importanța atingerii
Sursa: Google

Nu atinge. Aceste două cuvinte mici alcătuiesc probabil cea mai rostită propoziție din orice muzeu sau galerie și dintr-un motiv întemeiat. Efectele unei incapacități de a rezista tentației pot fi văzute în fiecare instituție. De la busturi cu nas strălucitor în conacele The National Trust, până la capetele frecate ale câinilor romani de marmură din muzeele italiene. Dar această politică strictă a muzeului a afectat negativ modul în care interacționăm cu arta? Este nevoie ca unele arte să fie atinse pentru a fi experimentate cu adevărat?

Barbara Hepworth și importanța atingerii

Pentru Barbara Hepworth, atingerea a fost o parte esențială a practicii sale. Inspirația ei a venit în parte dintr-o copilărie petrecută în peisajul vast și dramatic din West Riding, Yorkshire. Artistul scrie:

„Toate amintirile mele timpurii sunt de forme, forme și texturi… dealurile erau sculpturi, drumul a definit forma. Mai presus de toate, a existat senzația de a se deplasa fizic peste contururile plenitudinilor și concavităților, prin goluri și peste vârfuri – senzație, atingere, prin minte și mână și ochi.” Hepworth a crezut întotdeauna că sculptura este cel mai esențial, un mediu fizic, tactil. Această înțelegere a formei ar putea fi în artist aproape de la naștere.

Credința Barbara Hepworth pe tot parcursul vieții că sculptura trebuie atinsă pentru a fi experimentată a fost probabil întărită de sculptorul italian Giovanni Ardini, un prim mentor al ei. Întâlnindu-l întâmplător la Roma la vârsta de douăzeci de ani, el ia remarcat că marmura „își schimbă culoarea sub mâinile diferitelor persoane”. Această afirmație fascinantă presupune atingerea ca unul dintre modurile în care o persoană ar putea să experimenteze marmura. De asemenea, pare să ofere o putere egală artistului și publicului, Poate Hepworth, un socialist angajat, a găsit această sursă de inspirație această atitudine neobișnuită a egalității pe un mediu atât de venerat).

Mulți ani mai târziu, într-un interviu filmat în 1972 cu britanica Pathe, Hepworth afirmă: „Cred că fiecare sculptură trebuie atinsă… Nu puteți privi o sculptură dacă doriți să stați rigid ca o tijă și să o priviți. Cu o sculptură, trebuie să te plimbi în jurul ei, să te apleci spre ea, să o atingi și să te îndepărtezi de ea ”.

Tehnica de sculptură directă și non-finito-ul italian

Încă de la începutul carierei sale, Hepworth, împreună cu primul ei soț John Skeaping și prietenul lor Henry Moore, au fost pionierii tehnicii „sculpturii directe”. Această tehnică îl vede pe sculptor să lucreze pe blocul lor de lemn sau piatră cu ciocanul și dalta. Fiecare marcaj realizat rămâne foarte evident și evidențiază mai degrabă decât ascunde materialul original. Tehnica era la vremea aceea privită aproape ca un act revoluționar, venind într-un moment în care școlile de artă îi învățau pe viitorii lor sculptori să modeleze în lut. Sunt create opere care au lăsată chiar prezența fizică a creatorului.

Barbara Hepworth și teoria legată de importanța atingerii

Porumbei de Barbara Hepworth, 1927, în Manchester Museum of Art, prin intermediul site-ului Barbara Hepworth

Hepworth’s Doves, sculptat în 1927, a fost realizat folosind tehnica de sculptură directă. Aici, Hepworth este ca un magician care își dezvăluie trucurile. Vedem blocul de marmură tăiat brut și înțelegem porumbeii ca pe o iluzie. Dar, în loc să reducă magia, această transformare de la piatră neclintită la pasăre netedă și blândă este și mai uluitoare. Este greu să reziste tentației de a atinge, pentru a înțelege mai bine cum a reușit aceasta.

Această decizie conștientă de a dezvălui privitorului procesul, precum și articolul terminat, se află în Renașterea italiană, în practica non-finito (adică „neterminat”). Sculpturile non-finito apar adesea ca și cum figura încearcă să scape din bloc, de parcă ar fi așteptat în interior tot timpul.

În cuvintele lui Michelangelo, „Sculptura este deja completă în blocul de marmură, înainte de a-mi începe munca. Este deja acolo, trebuie doar să dăm materialul de prisos. ”

La un moment dat după cel de-al Doilea Război Mondial, Barbara Hepworth s-a angajat într-o serie de sculpturi în lemn, folosind „cea mai frumoasă, tare, frumoasă cherestea caldă”, guarea nigeriană. Ele evidențiază, mai mult decât orice altă lucrare, preocuparea lui Hepworth față de formă și joc, între interior și exterior, între forme și diferite texturi și întindere. Există ceva în contrast între exteriorul lustruit și interiorul dur, cizelat și șirul încordat care interconectează ambele suprafețe, care părea să implore publicului să le atingă.

Vedeți, sculptura este un lucru tactil, tridimensional, însăși prezența ei ne cere mai mult ca spectatori decât orice pictură. Henry Moore este un alt exemplu. Aproape că se dorește să se înghesuie cu figurile lui înclinate încet. Cele două camere din Tate Britain dedicate sculptorului se simt pline de, mai mult decât corpuri neînsuflețite de piatră, turiști relaxați pe o plajă. Te simți de parcă ai fi intrat în acea liniște mulțumită care vine după un prânz lung și enorm. Există ceva în intimitatea camerei care face să pară străin că nu poți să le atingi.

Este important să ne amintim că arta și atingerea nu sunt doar un fenomen din secolul al XX-lea. Talismanele antice, considerate a fi impregnate de puteri speciale, erau lucrări de artă făcute pentru a fi ținute și păstrate aproape pentru siguranță. Încă vedem importanța atingerii operelor de artă și a obiectelor în practica religioasă astăzi. Icoanele venerate ale sfinților catolici sunt sărutate de mii, sculpturile în piatră ale zeilor hinduși scăldate în lapte. Superstiția joacă, de asemenea, un rol. Imaginea de mai sus arată turiștii și noii studenți la coadă pentru a atinge picioarele lui John Harvard, presupunând că va aduce noroc.

Știm că nu avem voie, așa că de ce sunt încă atât de mulți dintre noi care nu pot rezista tentației de a atinge? Fiona Candlin, profesor de muzeologie la Birkbeck College din Londra și autoare de Artă, muzee și atingere, citează următoarele motive. Ea susține că atingerea poate spori experiența noastră educațională. Dacă doriți să aflați despre finisarea unei suprafețe sau cum sunt unite două piese sau care este textura a ceva, singurul mod în care puteți face acest lucru este prin atingere. Atingerea ne poate apropia și de mâna producătorului și poate confirma autenticitatea.

Cand a fost intervievat de jurnalista CNN, Marlen Komar, Candlin spune: „Poate exista o reală estompare între muzee și experiențe și parcuri tematice și lucrări de ceară. Adesea, dacă aveți obiecte foarte mari expuse – dacă vă gândiți să intrați în galeriile egiptene din British Museum sau Met. Unora nu le vine să creadă că ați expune lucruri reale fără sticlă în jurul lor. Nu sunt foarte siguri și își dau seama că, dacă o ating, pot face o evaluare.”

Copie a Afroditei din Knidos, original realizat în circa 350 î.Hr., în Muzeul Vaticanului, prin intermediul Universității Cambridge

Atingerea artei s-a înrăutățit, fără îndoială, în epoca selfieului (sau dacă nu chiar mai rău, cu siguranță mai bine documentat). Există nenumărate fotografii plutind pe internet ale turiștilor cu brațele peste umerii unor figuri celebre, bătând capetele leilor de marmură sau bâjbâind în glumă un fund gol. Acesta din urmă are, de fapt, un precedent istoric. Afrodita din Knidos de către sculptorul Praxiteles din secolul al IV-lea î.Hr. a fost una dintre primele sculpturi ale unei femei complet nud. Frumusețea ei a făcut-o una dintre cele mai erotice piese de artă din lumea antică. Și ea a provocat destul de agitație. Scriitorul antic Pliniu ne spune că unii vizitatori au fost literalmente „depășiți de dragostea față de statuie.”

De ce avem nevoie de această politică a muzeului?

Deci, politica muzeală ne vinde scurt, ne lăsându-ne să atingem lucrările de artă? Realist, desigur, aceasta este o întrebare imposibilă. Cât ar dura David al lui Michelangelo dacă fiecare dintre acele mii de vizitatori ai Florenței ar pune o mână pe corpul său musculos? Puteți fi siguri că acel băiat rotund de piersic al său ar fi primul lucru care trebuie luat. Da, putem arăta dar nu atinge în acest caz. Pentru mai multă inspirație, căutați cel mai bun hashtag muzeu (#bestmuseumbum). La începutul acestui an, tendințele au fost în curs de desfășurare, întrucât curatorii au participat la concursul Covid-19 Lockdown.

Revenim însă la subiectul important al îngrijirii colecțiilor muzeelor. Aceasta se concentrează în principal pe conservarea lucrărilor de artă și a obiectelor notabile pentru anii următori. Se face prin punerea în aplicare a unor proceduri pentru a preveni deteriorarea și a încetini rata de deteriorare a lucrărilor de artă și a obiectelor. Din păcate pentru noi, cel mai comun mod în care funcționează într-o colecție se poate deteriora este prin eroarea umană. Cu toate acestea, chiar și fără incidente, prin simpla manipulare și atingere, putem deteriora cu ușurință o lucrare. Uleiurile naturale și excrețiile din pielea noastră (oricât de mult ne spălăm pe mâini) sunt suficiente pentru a pata paginile unei cărți, sau o amprentă sau un desen antic.

Muzeele și politica muzeală sunt vitale în conservarea patrimoniului nostru uman și natural. Și uneori este prea ușor să uităm că avem și un rol de jucat. Deci, în concluzie, în general, nu, nu ar trebui să atingem arta. Dar, atunci când ne uităm, nu ar trebui să uităm niciodată că o anumită artă a fost, și uneori poate fi, apreciată de mai mult decât unul dintre simțuri.