Dacă sunteți curioși, nou-născut sau pur și simplu doriți să aflați mai multe despre minimalism, acesta este un loc minunat pentru a începe. Mai jos veți găsi diverse definiții ale minimalismului, beneficiile, provocările și exemplele din viața reală, astfel încât să puteți decide dacă minimalismul este potrivit pentru voi. Spoiler alert: probabil că este. Estompând granițele dintre sculptură și pictură, minimalismul a izbucnit în New York în anii 1960, înainte de a ajunge în cele din urmă la prioritate internațională. Aflați mai multe despre istoria sa strălucitoare aici.
Minimalismul a transformat arta modernă așa cum o recunoaștem acum. Concentrat în mare parte pe muzică și estetică încă din anii 1960, strămoșii săi sculpturali Donald Judd, Robert Morris și Sol LeWitt au pus mingea în mișcare pentru o căutare de zeci de ani după eliberarea creativă. Această prezentare istorică detaliază metamorfozele sale de-a lungul veacurilor.
Cine a inspirat minimalismul?
Tendințele reducționiste ale modernismului au pus o bază minimalistă cu mult înainte ca termenul să se materializeze. Deși New York City a incubat în cele din urmă popularitatea genului la mijlocul secolului al XX-lea, originile sale datează încă din 1915, când artistul de avangardă Kasimir Malevich și-a pictat piața neagră. Împreună cu Vladimir Tatlin, liderii ruși au avut un interes specific în fuzionarea tehnologiei emergente cu viața de zi cu zi, compilând obiecte comune pentru a rade arta până la forma ei cea mai adevărată.
Omagiu către piață de Josef Albers, 1959, prin Muzeul Guggenheim, New York
Picturile nu mai serveau ca oglinzi obiective ale unei societăți tridimensionale, ci mai degrabă obiecte auto-referențiale, explorând modurile în care o suprafață își poate depăși propriile limitări fizice. Alți pionieri, cum ar fi abstracționistul olandez Piet Mondrian, ale cărui picturi simple, dar puternice, iluminate, au continuat această practică de-a lungul anilor 1920. Compozițiile abstracte timpurii, cum ar fi No. VI (1920), dezvăluie această dorință generațională de a elimina tehnicile figurative, reducând realitatea la o serie de forme geometrice.
Când a început minimalismul?
Minimalistii originali au intenționat să producă imagini și mai literale ale lumii din jurul lor. Crezând că arta ar trebui să se refere numai la ea însăși, mulți s-au mutat de la pictura picturală la sculptură sau tipografie pentru a-și îmbunătăți tehnicile. Frank Stella, considerat în general primul minimalist american, a izbucnit în scena din New York cu o bubuitură tunătoare în 1959 datorită celebrelor sale picturi negre.
Prezentată la expoziția seminală 16 americani a MoMA, această serie de pânze cu dungi întinse pe rame de lemn zimțate, alăturându-se precedentelor de la Willem De Kooning și Franz Kline. Lipsită de orice semn uman, abstracția lui Stella și-a asumat, de asemenea, caracteristicile spațiului dat, rămânând în același timp netedă, mortă și îndrăzneață, lipsită de luarea deciziilor subiective. El a asigurat aceste picturi negre de bază încet, dar cu convingere, mărturisind cu mândrie obiectivitatea lor. Citatul său iconic din 1964 a evoluat ulterior într-o mantră teoretică pentru minimalisti din întreaga lume: „ceea ce vedeți este ceea ce vedeți”.
Expoziția Galeriei Verzi din 1964
În cursul anului, o gamă creativă vizionară a înflorit la Green Gallery din New York. Curatorul Richard Bellamy a coordonat o serie de expoziții esențiale New Work pentru a defila voci emergente într-o varietate de mass-media. Construit din placaj comercial, Robert Morris Untitled (Corner Piece) (1964), încadrând spațiul dintr-un nou punct de vedere. Între timp, Dan Flavin și-a dezvăluit legendarele „situații” fluorescente, reacția la care materialele cotidiene dovedite s-ar putea infiltra elocvent în înalta societate.
Auriu, roz și roșu, roșu (1964) al lui Flavin, prima piesă de podea a Minimalistului, se afla printre alte opere de artă electrice expuse. Donald Judd și-a făcut debutul și ca sculptor serios aici cu mai puțin de un an mai devreme cu frapantul său Untitled (1963), prezentând în total cinci spectacole pe parcursul scurtei sale ocupații. Cu toate că, în ciuda amestecării la Green, niciunul dintre acești pionieri nu s-a etichetat de fapt „minimalisti”. Cărturari de frunte s-au angajat să elaboreze un nou vocabular pentru descrierea acestei mișcări monumentale.
Eseuri publicate despre minimalism
Eseuri critice publicate la mijlocul anilor 1960 au stabilit în cele din urmă o paradigmă minimalistă predominantă. În 1965, Donald Judd și-a lansat tratatul Obiecte specifice, în care a respins de fapt denumirea Minimalism. În schimb, el a susținut că genul ar trebui să fie recunoscut ca „obiecte specifice”, și anume o categorie artistică care nu este ușor clasificată doar ca pictură sau sculptură. De obicei, minimaliștii fuzionau aceste două medii oblic, răsturnând convențiile tradiționale europene în favoarea fenomenologiei.
Acest studiu filosofic a cântărit experiența subiectivă asupra adevărului obiectiv, subliniind modul în care răspunsurile la o operă de artă variază între contexte. Majoritatea s-au concentrat, de asemenea, pe replicarea obiectelor tridimensionale cât mai aproape posibil, eradicarea autoriei prin instrumente industriale și configurații voluminoase, nonconformiste. Datorită acestei preocupări crescute cu concepția spre deosebire de procedură, minimalismul a apărut și în concordanță cu arta conceptuală. Repere precum One And Three Chairs (1965) ale lui Joseph Kosuth au proclamat întrebarea deceniului: este arta, un obiect sau nici unul dintre ei?
Structuri primare la Muzeul Evreiesc
Minimalismul și-a atins apogeul în 1966. În acel an, Muzeul Evreiesc a găzduit Structuri primare, o vitrină de succes a peste 40 de artiști proeminenți. Organizată în zece spații de galerie separate printr-un pasaj subteran, expoziția a primit, de asemenea, un succes media pozitiv încă de la începutul mandatului său. Pereții atent îngrijiți au prezentat rezultatele recente ale relativului eminent Tony Smith alături de Sol LeWitt, care și-a dezvăluit Untitled (1966), o sculptură în podea din lemn care profețea lucrările sale ulterioare.
Structurile primare au lansat, de asemenea, reclame în devenire precum Anne Truitt în lumina reflectoarelor cu Sea Garden (1964), cunoscută ulterior pentru instalațiile sale la scară largă. Au apărut și picturi la vârful minimalismului și a câmpului de culoare, precum Blue Disc de Ellsworth Kelly (1963). Procedând astfel, Structurile primare au permutat pentru totdeauna ideea unui spațiu de galerie, primând un concept coeziv mai degrabă decât examinând părțile sale individuale. Artistul ideal nu a mai creat pur și simplu. Acum, acești visători au pornit să proiecteze.
Alone We Are Powerless Together We Are Strong de See Red Women’s Workshop, 1976, prin Victoria and Albert Museum, Londra
O revoluție feministă în artă
Curând a apărut o rebeliune în 1974. Promovând o expoziție la Galeria Leo Castelli, un Robert Morris gol și-a umflat pieptul acoperit cu lanțuri de aur, fotografiat purtând o cască din epoca nazistă. Protestatarii care au participat anterior la Mișcarea pentru Drepturile Civile au luat umbră de drept la acest portret prejudiciabil, cerând retragerea imaginii. În special, mulți obiectori au fost femei care apoi au pivotat pentru a se concentra pe problema mai largă a egalității de gen și rasială.
Ceea ce a urmat ulterior nu poate fi descris decât ca un efect de domino fenomenal, care ridică fiecare colț al industriei contemporane. Femeile care s-au aliniat la cel de-al doilea val feminist din SUA au ieșit în stradă pentru a picheta galerii sau muzee despre care se crede că promovează practici nedrepte. În curând, masthead-urile pentru femei au fondat reviste precum Heresies și disertații precum Linda Nochlin, Why Have There Have No Great Women Artists, au circulat pe glob. Fluturele feministe care declară „împreună suntem puternici” au pictat un viitor bogat în diversitate.
În scurt timp, această forță feministă s-a manifestat în cadrul artelor. Avangardele au militat împotriva câmpului post-minimalist dominat de bărbați, urmărind să detroneze dezechilibrele de putere și brutalitatea. Judy Chicago a condus această urmărire cu The Dinner Party (1974), o sculptură ceramică care înfățișează un banchet ceremonial. Aici, potirele aurii și porțelanul pictat cu porțelan se odihnesc alături de covorașe care reprezintă femei proeminente din istorie, redistribuind sfera domestică stereotipă. Chicago a înființat atelierul de studio feminist și clădirea femeilor.
Compozițiile lucrate manual, bazate pe meserii și simbolice au crescut, de asemenea, din dorința de a submina statu quo-ul. Lynda Benglis a experimentat concomitent cu turnarea rășinii pentru a fabrica Eat Meat (1975), în timp ce Eva Hesse a obținut o plată similară prin latex, fibră de sticlă și plastic. Nancy Graves a îmbrăcat resturi de piele și oase de animale în apreciatele sale serii Camels (1968) și Out Of Fossils (1977), sculpturi atât de asemănătoare vieții, fiind aproape ciudate. Eforturile sporite de deconstruire a monolitului minimalist au luat amploare în deceniile următoare.
