Un sentiment de inutilitate pătrunde în opera lui Alberto Giacometti. În timp ce sculpturile sale sunt ușurate în formele lor literal, picturile sale sunt distilate în disperare, unde forma există doar ca iluzie. Alberto Giacometti a fost un sculptor și pictor elvețian asociat cu cubismul, suprarealismul și arta contemporană în secolul al XX-lea. Este cel mai cunoscut pentru sculpturile sale totemice, umanoide și este considerat unul dintre cei mai prolifici sculptori ai timpului său. Cu toate acestea, picturile sale au fost, de asemenea, unice în ceea ce privește abstractizarea și simțul dezolării aspre. Citiți mai multe pentru o analiză a disperării existențiale a picturilor lui Giacometti.
Contextul operei lui Alberto Giacometti
„Nu ar fi atât de rău. Dacă aș putea face un cap, un singur cap, o singură dată, atunci aș avea probabil șansa de a face restul, un peisaj, o natură moartă. Dar este imposibil ”. Giacometti
Lucrările artistului elvețian Alberto Giacometti sunt definite de ceea ce le lipsește. Întrucât lumea din jurul său a fost devastată de război în prima jumătate a secolului al XX-lea, demolată și redusă în sens, lucrările lui Giacometti au prezentat aceeași conștientizare pustie. Sculpturile și picturile sale sunt reduse la cele mai mici și mai mici versiuni ale lor. Figurile par deshidratate și deformate și chiar și portretele se străduiesc să-și amintească asemănarea. Toți trei dintre Giacometti, spectatorul și privitorul rămân izolați unul de celălalt. Incapacitatea lucrărilor lui Giacometti de a-și îndeplini scopul, în ciuda procesului său neîncetat, aduce sentimentul că potențialul de semnificație a fost complet erodat. Aceasta este frica existențială care străbate arta lui Giacometti.
Isaku Yanaihara de Alberto Giacometti, 1956, prin Institutul de Artă din Chicago
Pe parcursul întregii sale lucrări, procesul de reducere al lui Alberto Giacometti este exprimat în mod diferit. În sculpturile sale, el ar fi săpat figurile până la punctul „ți-ar face capul să arate ca lama unui cuțit”. Și în picturile sale, era cunoscut că refăcea la nesfârșit un portret până nu mai rămânea aproape nimic. Când a vorbit despre experiența picturii pe filosoful Isaku Yanaihara, Giacometti a remarcat
„Obișnuiam să lucrăm toată ziua și până seara, era o pictură. Și cu cât a funcționat mai mult, cu atât a dispărut mai mult ”. Giacometti
Una dintre cele mai puternice constante din opera lui Giacometti este aceea că incapacitatea de a descoperi sensul este ceea ce îl determină să acționeze atât de insistent în deformarea și reconstituirea subiecților săi. Acceptând acest lucru, această noțiune este exprimată cel mai bine în picturile sale, chiar mai bine decât în sculpturi, datorită naturii picturii reprezentative în ansamblu, precum și a crizei picturii moderniste, mai ales în ceea ce privește fotografia și încercările sale de a reinventează-se.
De ce pictura a fost imposibilă pentru Giacometti
„Este imposibil să pictezi un portret, a spus el. Ingres ar putea să o facă. Ar putea termina un portret. Era un înlocuitor pentru o fotografie și trebuia făcut manual, pentru că atunci nu exista o altă modalitate de a o face. Dar acum asta nu are sens. Fotografia există și asta e tot ce există. ” Giacometti
Datorită dezlegării treptate a vopselei de ulei din reprezentarea realistă, finisajul unei piese a devenit evaziv. În pictura modernistă la care a participat Alberto Giacometti, obiectivul nu mai putea fi doar iluzionist, deoarece picturile au fost depășite ca fiind imaginile cu aspectul cel mai convingător „real”.
Acest titlu aparținea acum fotografiei. De la invenția fotografiei, pictorii au fost obligați să depășească vizualul, dar totuși trebuie să respecte mijloacele vizuale. Aceasta este imposibilitatea picturii. Pictorul trebuie să creeze o iluzie imagistică, dar nu poate îndeplini niciodată în mod adecvat o astfel de sarcină. Pictura trebuie să se odihnească la un moment dat și acel punct nu poate fi pe deplin satisfăcător, prin urmare, insistența lui Giacometti că nu poate termina o pictură.
Jean Genet de Alberto Giacometti, 1954-55, via Tate, Londra
Existența unui nou standard în imagini reprezentative a făcut ca pictura să intre într-o criză de identitate. Mai ales în prima jumătate a secolului al XX-lea, când Alberto Giacometti trăia și lucra, pictura a simțit presiunea crescândă a fotografiei ca o formă alternativă de imagini reprezentative. Pe măsură ce fotografia color a devenit disponibilă comercial în anii 1940 și 50, identitatea picturii a fost radical schimbătoare, ducând la mișcări precum expresionismul abstract, unde reprezentarea a fost complet înscrisă pentru a rectifica calitățile care au diferențiat pictura de fotografie, precum materialitatea și procesul.
În schimb, în alte forme de artă, cum ar fi sculptura, nu a existat nicio înlocuire suprem realistă. În timp ce sculptura a participat cu siguranță la același arc al modernismului ca și pictura și, în unele cazuri, a condus calea (Sculptorul extrem de influent Constantin Brâncuși, de exemplu, a fost unul dintre primii expresioniști abstracți). Aceeași presiune pentru a se reinventa și a se restabili exista.
Caroline de Alberto Giacometti, 1962, prin The Art Institute of Chicago
Pierderea sensului în picturile lui Alberto Giacometti
Munca lui Alberto Giacometti este despre pierderi. Acest lucru apare într-un sens literal prin procesul său neîncetat, reductiv, și mai abstract prin angajamentul său cu nihilismul. În timp ce tema este omniprezentă în practica sa, există un sentiment particular, comun între pictură și acest tip de existențialism. Pierderea sensului într-o lume neliniștită, așa cum se reflectă într-un mediu depășit, disperat pentru un nou scop. Încercările eșuate ale artistului de a înțelege orice dintr-un gol de teamă coincid cu inutilitatea de a evoca ceva tangibil în pictură. Așa cum fragila iluzie a sensului este risipită în lumea din jurul lui Giacometti, iluzia formei dispare din pictură cu cea mai mică schimbare a percepției.
