Atunci când vorbim despre descrierea epocilor din evoluția artei este destul de complicat să explicăm care este diferența dintre ceea ce se poate numi modernism și ceea ce se poate numi artă modernă. Dificultatea definirii acestor termeni se naște din natura subiectivă a hermeneuticii artei. Acestea sunt cumva niște delimitări destul de subiective, ceea ce le va păstra poate pentru totdeauna natura greu de definit a acestora. Folosind termenul „modernism”, ne referim de cele mai multe ori în mare parte despre o mișcare globală care a avut loc atât pe plan social cât și pe cel cultural. O mișcare care a avut loc undeva la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea în țările lumii occidentale. Mai ales în domeniul artei plastice, termenul a reprezentat marcarea unei pauze cu aproape tot ce s-a întâmplat înainte în artă. Și descrie căutarea de noi mijloace de expresie.
Numărul 14 de Jackson Pollock, 1951, via Tate, Londra
Înconjurat de mari schimbări și răsturnări sociale, culturale și politice, modernismul este considerat o perioadă de inovație și experimentare. Vorbim cu aproximație despre termenul de modernism în artă în funcție de personalitățile la care facem referire. Descrierile variază de la realismul unor artiști precum Gustave Courbet până la abstractizarea artei specifică anilor 1960. În cele ce urmează, vă vom explica „modernismul” mult mai detaliat folosind operele de artă.
Modernismul nu cuprinde un singur stil
În linii mari, descrierea unei epoci se face în funcție de punctele sale repetitive, detaliile similare identificate într-o serie de opere de artă produse într-o perioadă anume. Cu toate acestea, arta modernă nu este atât de ușor de definit, ba dimpotrivă. În loc de un singur stil, în perioada modernistă au apărut multe stiluri și forme de artă diferite. Multe dintre noile forme și stiluri de artă au un lucru în comun. Multe poartă sufixul -ism în numele lor. Acestea includ, cum ar fi, impresionismul, care a fost urmat de expresionism. Dar și cubismul și fauvismul se încadrează în categoria „modernismului”.
Vioară și pitcher de George Braque, 1910, prin Arhiva de artă
În această secțiune, puteți vedea câte o lucrare, fiecare dintre artiștii Claude Monet și George Braque. Printr-o raportare superficială asupra acestor opere de artă nu ar putea fi mai diferite. Tehnica, precum și culorile și motivele sunt fundamental diferite. Cu toate acestea, cele două lucrări au mai multe în comun decât ați putea suspecta la început. Ambele picturi au fost create în perioada modernistă în artă. Ceea ce încă le unește va fi arătat în următoarele explicații.
Artiștii moderniști au suspus interogării sau chiar au respins valorile conservatoare
Era modernismului în artă a fost identificată atunci când tot mai mulți artiști au respins principiile clasice ale artei și s-au dezis din ce în ce mai mult ideile tradiționale despre artă. Artiști precum Claude Monet s-au abținut de la a reprezenta lumea cât mai realist posibil în picturile lor. S-au rupt de modul prin care s-a predat în Renaștere arta. În schimb, la fel ca mulți alți artiști, el era preocupat de o expresie subiectivă a percepției. Acest lucru a însemnat, de asemenea, că artiști ca Monet au pus la îndoială privirea ca atare. O idee obiectivă de a vedea a fost pusă la încercare și a fost înlocuită din ce în ce mai mult cu o idee subiectivă de a vedea.
Țipătul de Edvard Munch, 1893, prin Muzeul Munch, Oslo
Să aruncăm o privire asupra celebrului tablou al lui Edvard Munch The Scream (1893). Cu această lucrare, Edvard Munch arată cum entuziasmul brusc ne schimbă toate impresiile senzoriale. Toate liniile din tablou duc la capul care țipă în centrul picturii. Amestecul sălbatic de culori strălucitoare și linii organice intensifică impresia izbucnirii emoției. În această pictură a artistului norvegian, ceva devine foarte clar: pictura în „modernism” nu este nici despre adevăruri ale naturii, nici despre prezentarea frumuseților ideale. Ceea ce contează este expresia pură a emoției, chiar dacă acest lucru înseamnă distorsionarea unei figuri până la urâțenie.
Modernismul înseamnă inovație și experimentare
Arta modernă a fost puternic influențată de evenimentele sociale și politice de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. Începutul secolului reprezintă una dintre cele mai mari răsturnări istorice pentru societățile occidentale. Industrializarea a decolat cu adevărat în această perioadă, capitalismul a prins din ce în ce mai mult, au existat invenții precum calea ferată și primul război mondial. Această trezire și răsturnare s-ar putea simți și în artă. Au existat multe inovații și oamenii au experimentat forme, culori, linii și motive așa cum nu au făcut niciodată.
Les Demoiselles d’Avignon de Pablo Picasso, 1907, via MoMA, New York
Un bun exemplu al acestei evoluții este opera de artă a lui Pablo Picasso Les Demoiselles D’Avignon (1907). Dacă te uiți astăzi la această pictură, aproape că te-ai putea gândi că Picasso a pictat această lucrare pentru a schimba pictura occidentală de la sol. Aici, artista nu se joacă doar cu forma corpului feminin, combinându-l cu forme geometrice, ci fețele femeilor au fost inspirate din arta africană. Ambele pot fi văzute ca elemente ale unei revoluții picturale.
Adulthood de Hilma af Klint, 1907, prin Coeur & Art
Abstracția și-a găsit drumul în artă și pe vremea modernismului. Artistul suedez Hilma af Klint este considerat astăzi un pionier al artei abstracte, alături de artiști precum Wassily Kandinsky. În arta sa, ea a trecut printr-o dezvoltare picturală de la arta naturalistă la arta abstractă. Hilma af Klint a pictat primele sale tablouri abstracte deja în jurul anului 1906.
Accentul a fost adesea pus pe material, culoare, tehnică și proces
Fie că apăsările unui Claude Monet, zonele de culoare ale unei opere de Piet Mondrian sau stropile de vopsea pe o pictură de acțiune de Jackson Pollock – în epoca modernismului, materialul, culoarea, tehnica și procedura picturală s-au împins în prim-plan în operele multor artiști. Cu toate acestea, picturile nu trebuie să fie supraîncărcate în niciun fel. Deseori chiar reducerea totală creează un accent special. Câteva exemple bune în acest sens sunt lucrările monocrome ale artistului francez, Yves Klein.
Compoziție cu roșu, albastru și gri de Piet Mondrian, 1927, prin Sotheby’s
Yves Klein este considerat un artist al avangardei. Compozițiile sale picturale monocrome, pe care le-a creat într-un albastru ultramarin dezvoltat de el însuși, au devenit deosebit de celebre. Culoarea poartă numele oficial International Klein Blue. Într-o astfel de imagine albastră, culoarea devine singurul motiv și astfel atrage imediat atenția privitorului.
Așadar, să remarcăm: modernism este termenul pentru o perioadă de timp de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. În acea perioadă, schimbările sociale și culturale majore au contribuit la faptul că arta era pe cale să se schimbe. Arta modernă nu poate fi în niciun caz redusă la câteva caracteristici similare. Cu toate acestea, există unele caracteristici prin care arta modernă poate fi definită. A existat un spirit de noi începuturi în artă și curajul de a experimenta. În epoca modernistă, artiștii au pus la îndoială valorile conservatoare și noțiunile tradiționale de artă. Ei s-au exprimat prin culoare, forme, linii și tehnici, deschizând astfel calea către abstractizare. O figură teoretică importantă în dezvoltarea artei moderne este criticul de artă american Clement Greenberg. Scrierile sale oferă răspunsuri decisive la întrebarea cum ar trebui să arate arta modernă.
